전시명 : 사유공간: 원문자의 작품세계
장 소 : 이천시립월전미술관
기 간 : 2025.10.16~12.14
글/ 김진녕
한국화가 원문자(元文子, b.1944)의 회고전 《사유공간: 원문자의 작품세계》가 이천시립월전미술관에서 열렸다. 이번 전시에는 국전시대로 불리는 1960년대부터 2025년대까지 60여 년의 시간 동안 '오늘의 한국화'를 모색해 온 원문자의 작품 50여 점이 전시장에 나왔다.
전시장 들머리에 걸린 <음조>(1965)는 그 시절 한국화단을 설명하기에 충분해 보였다. 화면 뒷쪽에는 편종이 걸려있고 관모에 흉배가 달린 전통 복식을 입은 악사는 거문고나 대금을 쥐고 있어 궁중음악(정악)을 연주하는 중이라는 것을 알 수 있다. 피부톤과 옷색은 모두 먹을 섞어서 원색을 '톤다운'시키는, 해방 뒤 정립된 한국화의 관습을 보여준다.
원문자 작가는 이 작품의 소재에 얽힌 이야기를 들려줬다.
“국전에 입선한 작품인데 쇠라의 작품에서 점묘를 보고 동양화에 한 번 써보자는 생각에 시도해 본 작품이다. 그 당시 우리의 전통 음악이 서양음악이 물밀 듯 들어오면서 우리 것이 천시되고 외면당하는 모습을 보면서, 이렇게 하다가는 전통이 없어지겠구나,라는 위기감이 들어서 그림으로라도 이 전통음악의 모습을 남겨야 한다는 생각이 컸다. 그래서 전통악기부터 그리기 시작했다. 무당도 없어질 것 같아서 무악재에 올라가서 무당집을 돌아다니면서 사진도 찍고 기록을 남겨, 대학원 졸업작품전에 무당 그림을 그려 출품했다. 그때 생각으로는 이런 전통의 모습이 없어질 것이라는 생각에 그림으로 남긴 것이다. 전통 상실에 대한 위기감이 전통적인 소재를 취하게 만든 셈이다.”
<음조> 1965, 한지에 수묵채색, 246x183cm
대학 4학년 시절 <음조>를 그린 원문자는 이화여자대학 회화과 재학시절 이유태(1916-1999)와 안동숙(1922-2016)의 가르침을 받았다. 이유태는 해방 전 선전에서 채색인물화로 큰 상을 받은 뒤 해방직후 대학 시스템에 편입된 미술대학 체제에서 교수를 지낸 인물이다. 해방 뒤 이유태는 수묵담채풍의 풍경화를 주로 그렸고 안동숙은 수묵쪽 화가로 분류된다.
해방 뒤 건국한 신생공화국 대한민국의 미술은 미술대학과 대한민국미술전람회(1949-1981) 두 축으로 움직였다. 원문자는 국전에서 국회의장상(1970)과 대통령상(1976)을 받았다. 특히 수묵채색화가 대통령상을 받은 것은 1949년 국전이 생긴 이래 처음이었다. 이는 국전과 대학 시스템으로 재편된 한국미술계에서 전통 한국화(동양화)가 어떤 위치였는지 짐작하게 만드는 방증이다.
주목할 만한 점은 원문자 작가가 대학 시절 채색화가로 분류되는 현초 이유태와 수묵 위주로 활동한 오당 안동숙 모두에게서 배웠다는 점이다. 수묵과 채색 진영의 갈등이 극심했던 시절에 두 세계를 모두 접한 것이다. 스승의 영향이 절대적이던 그 시절 대학원생이던 원문자는 이 두 세계를 어떻게 절충시켰을까.
“대학 시절 스승인 현초랑 오당이랑 성향이 완전히 다른 분이라, 두 가지 화법을 그림에 다 반영했다. 오당 수업 시간에는 오당의 마음에 들게 그리고, 현초 수업 시간에는 현초 마음에 들게 그리다보니 두 가지 테크닉을 다 익힐 수 있었다. 두 분이 ‘좋은 그림’이라고 생각하는 게 달랐다. 덕분에 나는 두 선생님의 ‘좋은 그림’을 알 수 있었고, 그게 나의 복이었다고 생각했다. 어떤 것이 더 좋다기보다는 두 가지 테크닉을 다 쓸 수 있다는 것이 장점이라고 생각한다.
대학 시절의 내가 국전 수상작을 보았을 때 ‘거친 그림’이 환영을 못 받는다는 생각이 들었다. 대학 3학년 때 닭장 그림을 그렸는데 이경성 선생이 대학 3학년이 어떻게 이런 그림을 그렸냐,면서 놀라더라. 이게 상을 안 받으면 내가 뭐라고 하겠다,고 하시더라. 그 그림을 그릴 때 학교에다가 닭을 가져다가 길렀다. 그게 입선이 됐다. 안동숙 선생님의 테크닉이 두드러지게 보이는 작품이었다. 내가 열 다섯 번을 그린 그림 중에 오당이 8번째로 그린 작품을 골라서 국전에 냈고 그게 입선을 했다.
대학 시절의 내가 국전 수상작을 보았을 때 ‘거친 그림’이 환영을 못 받는다는 생각이 들었다. 대학 3학년 때 닭장 그림을 그렸는데 이경성 선생이 대학 3학년이 어떻게 이런 그림을 그렸냐,면서 놀라더라. 이게 상을 안 받으면 내가 뭐라고 하겠다,고 하시더라. 그 그림을 그릴 때 학교에다가 닭을 가져다가 길렀다. 그게 입선이 됐다. 안동숙 선생님의 테크닉이 두드러지게 보이는 작품이었다. 내가 열 다섯 번을 그린 그림 중에 오당이 8번째로 그린 작품을 골라서 국전에 냈고 그게 입선을 했다.
그렇게 국전에 작품을 내다보니 거칠게 그리면 상을 못 받는다는 걸 알았다. 그래서 1970년 곱게(채색화 기법이 들어간) 칠면조를 그렸다. 그때 임신 중이었고 몸이 아파서 겨우겨우 그린 그림이었다. 그게 국회의장상을 받았다. 닭장과 달리 한 번만 그렸고, 상을 받을 생각도 못했다. 입선이라도 하면 다행이라고 생각하고 작업을 마쳤는데 국전 수상 발표가 나고 기자가 밤 11시 넘어서 합정동 집을 찾아왔더라. 내가 상을 받았다고. 동네 개가 다 짖고. 그게 스물일곱 살 때 일이다. 그렇게 큰 상을 받고 보니 그림을 다시 확 바꿀 수는 없었다.”
원문자의 작품 중 초창기의 넓은 평필로 그린 닭장에서 출발했을 때는 오당의 그림자가 두드러져 보였지만 대학원 시절 무당 춤을 추는 무희를 소재로 그릴 무렵부터 두 스승의 스타일이 겹쳐진다. <무당 무희>는 평필로 대담하게 라인을 잡고 컬러감이 두드러진 무복의 색을 채색기법으로 살린 작품으로 작가가 두 선생의 스타일이 모두 드러난 경우라 아끼는 작품이다. 다만 이 작품은 코리아나호텔의 LA 지점에 걸린 것을 마지막으로 사라져 작가가 행방을 찾고 있다.
이후 곱게 색을 쌓아올리는 작업을 계속하던 원문자는 1976년 원앙과 연꽃을 그린 <정원>으로 국전에서 대통령상을 받게 된다. 그의 나이 서른 셋에 이룬 성취다.
<원숭이> 1986, 한지에 수묵채색, 192.3x391cm
한국적 색채감을 익혀 꽃과 새, 전통적인 소재의 악사와 무희를 그리던 원문자의 세계는 1983년 모교에 교수로 임용된 이후, 작가가 마흔이 넘어가면서 큰 변화가 등장한다. 스승을 통해 익힌 전통의 세계에서 변주하던 것을 넘어서 자신만의 것을 모색하기 시작했는데, 한지에 대해서 관심을 갖게 된 것이다. 화본이 아닌 현장 데생을 통해 동식물의 외형을 그리는 대학교육을 받은 원문자는 1980년대 후반 한지의 질감이 도드라지게 부각된 화면에 과감하게 변형된 꽃이나 동물을 그린 선보인 작품을 선보이기 시작했다. 일종의 종이 부조라고 불릴 수 있는 새로운 시도는 1990년대-2010년대 초반까지 이어진 한지 추상으로 이어진다.
“우리나라 최초로 한지 조형에 도전했다. 80년대 말에 처음으로 발표회(전시)를 했는데 어떤 작가가 ‘한지 작업을 백 점을 해 놨는데, 원문자가 먼저 터트렸다’는 얘기를 전해 듣기도 했다. 그때 내 작업은 한지 원료인 닥을 물에 풀어 닥죽을 만든 뒤 조형적인 작업을 거친 스티로폼에 부어 형태를 만든 다음 그걸 말렸다. 이 과정이 한 달쯤 걸린다. 그걸 떼어내서 먹의 농담을 이용해 추상적 표현을 하거나 채색을 했다. 먹과 채색이 어우러지도록 구성을 하고, 표면의 마티에르를 잘 살려 조형적 형태와 색이 어울리도록 마감 작업을 했다. 한지 조형으로 입체 조각을 시도한 셈이다.
이런 기법으로 20여 년 작업하다가 한동안은 한지와 한지 노끈을 이용한 작업을 하기도 했다.”
무제, 1989, 한지조형에 수묵채색, 170x132cm
전시장에는 "화조화를 그리면서 대상에 얽매이는 것이 답답하게 느껴져 대상을 생략하거나 단순화시키는 작업을 시도해 보았지만 만족할 수 없어서 결국 추상적 표현을 선택하게 되었다"라는 작가의 말이 걸려있었다.
이 시기 그의 작품을 보면 닥으로 만든 종이죽이 굳으면서 생긴 질감이 화면의 마티에르를 구성하거나 그 위에 자유자재로 먹의 농담을 구사해 만든 무채색의 그라데이션으로 구성된 미감을 선보였다. 화면을 채우던 다양한 색채 대신 오돌도돌한 한지찰흙의 질감, 구김과 콜라주, 절단, 한지 노끈 같은 시각을 통해 전해지는 다양한 촉각정보로 화면 전체를 채웠다.
“2010년도에는 순지 작업을 했다. 2010년 선화랑 개인전에서 순지 작업만 선보였다. 순지에 먹을 이용해서 60여 가지의 색을 만들어냈다. 이를 자르고 구겨서 다시 반쯤 편 뒤, 열 번에 가까운 덧붙임을 통해 입체감과 조형성을 부여한 화면을 만들어 빛의 효과도 반영하는 작업을 하기도 했다. 평면이지만 입체작품의 효과도 결합시킨 작품으로 이것 역시 한국화 쪽에서 처음 하는 작업이었다.”
물들인 종이를 조각조각 이어붙여 자연스러운 그라데이션을 만들어낸 화면은 입체이기도 하고, 평면이기도 한 새로운 미감의 세계였다. 그는 이 작업의 성취를 내면에 끌어안고 2020년대에 다시 새로운 세계를 모색했다.
그리고 2000년대 이후 이런 작품에 '사유공간'이라는 이름을 붙이기 시작했다. 그의 머리 속에 들어있는 비물질적인 조형성에 대한 탐구를 세상에 보여주는 방식으로 '사유공간'이라는 이름으로 풀어놓은 것이다. 이 사유공간 시리즈는 2020년을 전후해 한지의 물성까지 버리고 더욱 단순해진 2차원 이미지로 옮아갔다. 한지 죽을 이용해 우연성을 포함시켰던 그의 한지부조 스타일(만들기) 작업이 컴퓨터 그래픽을 이용하는 포토아트를 통해 다시 '그리기' 작업으로 전환한 것이다. 물론 1990년 이전의 그리기 스타일로의 복귀는 아니다.
“2010년도에는 순지 작업을 했다. 2010년 선화랑 개인전에서 순지 작업만 선보였다. 순지에 먹을 이용해서 60여 가지의 색을 만들어냈다. 이를 자르고 구겨서 다시 반쯤 편 뒤, 열 번에 가까운 덧붙임을 통해 입체감과 조형성을 부여한 화면을 만들어 빛의 효과도 반영하는 작업을 하기도 했다. 평면이지만 입체작품의 효과도 결합시킨 작품으로 이것 역시 한국화 쪽에서 처음 하는 작업이었다.”
물들인 종이를 조각조각 이어붙여 자연스러운 그라데이션을 만들어낸 화면은 입체이기도 하고, 평면이기도 한 새로운 미감의 세계였다. 그는 이 작업의 성취를 내면에 끌어안고 2020년대에 다시 새로운 세계를 모색했다.
<사유공간> 2005, 한지조형에 채색, 110x185cm
2020년을 전후해 직접 찍은 사진 이미지를 컴퓨터로 편집하여 한지에 출력한 뒤 다시 여기에 채색을 가미하는 작업이 시작됐다. 그는 “일상에서 바라본 인상 깊은 풍경 혹은 대상을 내 컴퓨터의 편집을 통해 현실의 구체적인 이미지를 컴퓨터의 다양한 기법을 이용하여 변화무쌍한 화면을 만들어내다 보면 의외로 새로운 형태가 등장한다. 그런 작품의 세계를 만드는 과정에서 작품 세계에 변화를 줄 수 있었다”고 밝혔다.
이때 포토 아트를 통한 화면은 한지나 사진 인화지, 캔버스, 수입지에 출력한 뒤 그의 손에서 붓과 전통 채색재료로 리터치해 최종 완성한다. 이 과정에 대해 그는 "나의 의도를 살리려면 이런 개입이 꼭 필요하다"고 밝혔다. 2022년에 포토아트 기법을 이용한 첫 전시를 했고, 2023년에 금호미술관 전시로 이어졌다. 그 작업이 2025년까지 이어지면서 ‘그리기’라는 애초의 출발점으로 다시 돌아온 느낌이다. 물론 60년대와 70년대 시절로의 회귀는 아니다. 한지 조형과 포토 아트로 쌓아왔던 세계관과 그의 작업에 대한 생각, 느낌, 조형성이 반영된 상태에서 그리기로 돌아온 것이다. 새로운 조형성을 보여주는 평면 작업 시대의 개막인 셈이다.
<사유공간> 2025, 한지에 수묵채색, 130x210cm
이렇게 완성된 최근작은 묵의 농담이 아닌 같은 색 계열의 농담 변주를 통해 색면을 구현하거나 채색화 재료 특유의 깊고 부드러운 색감이 포토 아트의 우연성과 결합된 것을 볼 수 있다. 화면에 구현된 조형성은 화조를 그대로 그렸다면 얻을 수 없었을, 자유롭고 무르익은 아름다움을 보여준다.
《사유공간思惟空間: 원문자의 작품세계》전은 해방 이후 대학 교육 시스템이 배출한 원문자라는 작가가 전통 채색의 세계에서 모색하던 시절의 경험과 성과, 먹과 한지라는 물성 자체를 탐색하던 모색과 성과, 포토 아트라는 새로운 기계어를 도입한 21세기의 모색까지 원문자가 60여 년간 한국 미술계에 쌓아온 시간을 보여준다. 거기에 원경으로 깔려있는 60년대 국전 시스템과 한국 미술계의 역학 구도, 근대의 경험이 쌓이기도 전에 식민과 해방, 전쟁, 산업화를 통해 강제로 현대에 편입된 현대 한국의 정체성 찾기 강박 등 사회적, 시대적 변화를 찾아볼 수 있다.
